01 junio, 2014

La evolución de Kodak







Kodak fue la primera compañía en integrar su marca y buscar en un nombre y emblema. Su logotipo es uno de los más reconocibles mundialmente. Sin embargo, a lo largo de los 125 años de historia de la compañía, esta imagen ha sufrido una importante evolución. 



En 1878, George Eastman fue un pionero. Su revolución fue inventar una máquina para emulsionar que permitía la producción en serie de placas secas. Así nacía la fotografía instantánea, tal y como la conocen actualmente millones de fotógrafos aficionados. Y también en 1889 nacía la Eastman Kodak Company, más comúnmente conocida como Kodak. 

La empresa estadounidense reconocida mundialmente por sus productos y películas fotográficas siguió sus investigaciones en el terreno fotográfico acumulando miles de patentes en más de un siglo de historia. Kodak llegó a emplear a más de 17.100 personas en todo el mundo. Sin embargo, en 2012 y con más de 130 años de historia, Kodak se declaró en quiebra y la firma se sumergió en una serie de subastas que comprendieron la venta de 1.100 patentes. 



La identidad y el nombre de Kodak también es una de las más reconocibles mundialmente. En 1888 nació la palabra Kodak que identificaría la marca. Un nombre abstracto, pensado en exclusiva, con el que inauguraba el apartado de la creación de naming en el mundo empresarial. Eastman deseaba encontrar una marca definitiva para patentarla. Quería un nombre corto que pudiese ser pronunciado y deletreado con facilidad en cualquier idioma. La letra K era una de sus favoritas. Tras considerar un gran número de combinaciones con palabras que empezaban y terminaban con esa letra, Eastman eligió la palabra Kodak. 

También este año se lanzó al mercado la cámara Kodak. Debidamente cargada con película Eastman American para 100 exposiciones, se vendía al precio de 25 dólares. Este fue el principio del ‘sistema completo de fotografía’. Una amplia campaña de publicidad extendió por todo Estados Unidos el eslogan que Eastman había adoptado para este nuevo sistema: "Usted aprieta el botón, Kodak hace el resto". Uno de los primeros anuncios, demostrando la facilidad de uso de la fotografía.



Con el nombre ya definido, no fue hasta 1907 cuando se introdujo el primer logo de Kodak. Eso sí, la compañía marcó un antes y un después al convertirse en la primera empresa en integrar dentro de un símbolo su nombre e imagen. Este primer logo estaba era un acrónimo formado por las iniciales Eastman Kodak Company (EKC) que iban enmarcadas dentro un círculo. Una imagen que está muy lejos de la identidad actual. 

En 1935 se cambia el logotipo adquiriendo ya los característicos colores rojo y amarillo del ‘trade dress’ en una forma rectangular y donde en lugar de las siglas "EKC" se muestra la marca "Kodak" con una tipografía serif más corpórea. Este diseño se mantuvo hasta 1960. Ese año se cambia la forma rectangular por el logo con la esquina curvada. De nuevo en 1971 se produce un rediseño, quizás el que más ha perdurado a lo largo de los años, por lo menos en el imaginario colectivo. Como en el diseño anterior, la marca mantiene los colores rojo y amarillo y el nombre Kodak, pero se añaden un recuadro y un elemento gráfico en forma de K. Ya en 1987, la fuente fue modificada ligeramente para dar al ‘logo cuadro’ un toque más «aerodinámico» y contemporáneo.



La versión actual del logotipo de Kodak se diseñó en 2006. La figura del recuadro en rojo sobre el fondo amarillo desaparece, lo que simplifica el logotipo. El nuevo logo se basa en el lettering personalizado por Allen Hori de Diseño de Identidad, el director de diseño del proyecto. El logotipo, con una tipografía redondeada, le da una forma más sencilla y visualmente atractiva marcada por la característica "a" y aportando un aire fresco y menos retro.

"Claramente vemos una gran evolución del logotipo "Kodak". y con ello comprendemos que un logotipo, un isotipo será tu imagen que llevaras siempre. será tu mayor representante de tu empresa hacia todas las personas, en este punto el Diseñador juega un rol importante. No se le puede quitar peso a ello o desvalorarlo." 

30 mayo, 2014

¿Qué es ilustración?





Nicole Almendrada - Ilustradora
Hace siete años cuando me preguntaba qué hacer con mi vida, me hice la misma pregunta. ¿Qué es ilustración? ¿qué es un ilustrador? ¿es una profesión? ¿quién y cómo trabaja en eso? Seis años después de entrar a estudiar la carrera de Ilustración digital y de dar cientos de veces la misma explicación -incluso a mis padres unas cuatro veces al año mientras estudiaba-, consigo darlo a entender más fácilmente. Si usted me preguntara qué estudié, evitaría decir Ilustración, ya que generalmente la respuesta es: "¿qué cosa?". En simples palabras un ilustrador es un dibujante. Luego de respondele que soy dibujante, la segunda pregunta más frecuente es: "¿dibujante técnico?". Eeee.... no, no lo es, responderé yo. Así es como con el tiempo me resigné a que es mejor comenzar a incentivar el conocimiento popular de mi amada profesión. Así que si ud. se pregunta ¿Qué es ilustración? como un día yo me lo pregunté, le recomiendo seguir leyendo.

Un ilustrador es una persona que se dedica a dibujar... cualquier cosa. Todo lo que nos rodea que tenga alguna especie de dibujo, probablemente haya sido hecho por un ilustrador. Desde la portada de un libro, a los personajes en una página web, o los dibujos que acompañan las revistas, o aquellos dibujos que decoran las tazas para tomar té. En otras palabras, un ilustrador es una persona que a través de una imagen (en cualquier técnica) transmite una idea o un concepto, incluso, una historia completa.

Giotto
Tendemos a pensar que antes de la llegada de la modernidad, todo era pintura y escultura. En realidad la ilustración tiene una larga historia. Cuando la Iglesia Católica, en la edad media, prohibió la lectura y el uso de la Biblia al público, una de las formas que tenía para "educarlos" religiosamente era a través de imágenes que relataban historias o sucesos de la Biblia o las historias de los santos. Los japoneses hacían manuales y especies de historias que rescataban tradiciones milenarias, y aspectos de su vida diaria. Ni hablar de los egipcios. También tenemos, años más tarde, las ilustraciones Bíblicas de Doré. O las ilustraciones científicas de Anatomía de Da Vinci. Así es que culturalmente tendemos a creer que si una imagen demora mucho en realizarse (como aquellas hechas al óleo) se le llamará pintura. Pero lo cierto, es que la diferencia está en la función que la pintura y la ilustración cumplen.

Una pintura podría ser utilizada simple y llanamente para decorar una habitación. Para retratar a una familia. Para captar un paisaje bello y perpetuar la sensación de observarlo. Pero no siempre tendrá que incluir un mensaje, un concepto, una opinión o una historia en sí misma. Una pintura de hecho, podría no entenderse, o ser de libre interpretación -dada la subjetividad del autor. Una ilustración, para ser llamada como tal, debe transmitir un mensaje. Es concebida tras una idea o una necesidad comunicacional.

Culturalmente, en Chile, la ilustración era una rama de las Artes visuales. Por lo que los primeros ilustradores (de profesión) egresaban de carreras como Diseño Gráfico, Bellas Artes, Artes Visuales, Arquitectura... entre otras. Pero ya hace algunas décadas, se imparte en los institutos Alpes, Arcos y Duoc las carreras técnicas de Ilustración. Además de cientos de cursos y talleres a disposición que especializan a profesionales de otras áreas para desarrollar la capacidad comunicativa del dibujo.En sí, para ser ilustrador no hace falta que hayas estudiado ilustración.

Paloma Valdivia
 Se dice que los ilustradores deben ser quienes más conocimientos variopintos adquieren (porque como decía la célebre frase: nunca sabes cuándo te piden dibujar un pudú con smoking bailando tap). Un ilustrador no sólo debe saber dibujar "bonito", debe explotar su talento, ser responsable y construirse un estilo que lo identifique del resto de los artistas visuales.



Hablando de mercado laboral, debo decir que hay profesionales dedicados plenamente a la ilustración que mantienen a su familia con su trabajo (por si cabía duda). Hay muchas áreas en la cual la ilustración es necesaria:

  • Editoriales: la más reconocida de todas. Desde una portada a la ilustración que acompañe a un artículo de periódico o ilustraciones para textos escolares. Además del formato "relativamente" nuevo -para nuestro país- los libros Álbum: cuentos o relatos contados a través de las imágenes, en las cuales puede o no haber presencia de texto. 
  • Publicidad: muy, muy, muy antiguamente, la ilustración se encontraba en muchas revistas para publicitar a productos de los más variados tipos (las chicas pin up por ejemplo). Luego la presencia de la fotografía en alta resolución y a todo color, comenzó a llenar nuestro paisaje publicitario. Pero nuevamente, con la llegada de nuevos estilos de dibujo y las potencialidades de la ilustración digital o 3d, la publicidad ha vuelto a reconciliarse con la ilustración. Desde sus procesos más tempranos (storyboards y animatics para comerciales) hasta piezas terminadas que incluso generan un personaje reconocible que represente alguna marca. 
  • Audiovisual: esta área es muy extendida, desde el concept art de un videojuego, es decir, la construcción visual de la apariencia de los personajes, su vestimenta, sus expresiones faciales, los escenarios, los paisajes, los objetos... hasta la realización de una animación digital, en 3d o 2d. Incluso, podemos considerar en esta área al ilustrador detrás del concept art de los personajes para una película (que Disney y Pixar nos hizo conocer como el trabajo soñado). 
  • E-learning: capacitaciones online o cursos digitales, cada vez más solicitados y desarrollados por empresas dedicadas a la creación de estos. Requieren de una gama de personal que varía entre programadores, diseñadores e ilustradores. Esta sería una de las áreas más estables y formales dentro de los trabajos como ilustrador, ya que por lo general es de planta fija. 
  • Diseño web: hoy en día una página web no puede ser tomada seriamente si no tiene una buena imagen y diseño. Es más, en redes sociocomunicacionales como Tumblr, Twitter y Blogger, la expresión personal tiene mucho que ver con la plantilla escogida. No se trata sólo de la ubicación o cantidad de columnas (diagramación) o el tipo de letra (tipografía), además influye mucho los colores y los dibujos que podemos ver en nuestra plantilla. Debemos saber que detrás de estas herramientas puede haber perfectamente el ingenio de un ilustrador. 
  • Decoración: cada vez más se está expandiendo el valorar objetos con un diseño único u original. Tiendas como Casa&Ideas, Homy o Morph atraen a más personas que quieren llenar de detalles estéticos su vida cotidiana. La ilustración decorativa aunque pueda no trasmitir un mensaje explícito, cumple como función añadir un estilo o tendencia a un objeto común. 
Así es como un ilustrador puede trabajar para una empresa con contrato fijo (los menos), o en modalidad independiente (freelance). En países como Estados Unidos, Inglaterra o España, el trabajo del ilustrador sólo es dibujar y generar proyectos cada vez más creativos, ya que cuentan con agencias o representantes especializados en publicitar su trabajo como artista. En cambio, en latinoamérica el ilustrador además debe autogestionarse, publicitarse, incluso a veces... publicarse por sus propios medios. Pero esto no quita que haya ilustradores totalmente dedicados a esta noble labor capaces de solventar sus vidas comunes y mortales. Podría decirse que el ilustrador es un ser humano algo masoquista, pero con una perseverancia como pocos. No es necesario estudiar una carrera del área gráfica, si hay talento explotado, esfuerzo y responsabilidad, y ganas de aprender y mejorar cada vez más. He visto aparecer ilustradores de todos lados, lo importante es lograr transmitir un mensaje a través del a imagen. Y que cualquier persona, incluso sin conocimientos previos ni históricos, pueda comprenderlo. Ese es el verdadero trabajo de un ilustrador. 



29 mayo, 2014

¿Cómo afecta el Diseño web en el SEO?





El diseño de una página web es una de las partes más importantes a la hora de construirla. Hoy en día podemos encontrar infinidad de plantillas prediseñadas que vienen con todas las funciones necesarias que una empresa o persona puede necesitar en su página web.

El problema llega cuando eligen plantillas solamente por su apariencia estética, y no revisan que cumpla con los ‘requisitos’ necesarios para que la plantilla te ayude a mejorar el SEO de tu página.

¿Qué factores de mi plantilla influyen en el SEO de mi página?

 
Lo primero que debemos observar antes de escoger una plantilla (ya sea gratuita o comprada) es el tiempo de carga. Se ha dicho siempre que los buscadores tienen muy en cuenta el tiempo que dura en cargar la página y el peso de la misma a la hora de posicionarla en los resultados. Uno de las causas de una carga lenta, es la presencia de Flash en la plantilla. En lo posible, trata de evitar la utilización de elementos Flash.


También es importante este factor para reducir el porcentaje de rebote. Esto es, cuando una persona entra a tu blog y solo vea una página de él. Cuando tarda mucho en cargar, por lo general la gente cierra la página. Esto también puede llegar a perjudicar nuestro posicionamiento en los buscadores.


Además de considerar el tiempo de carga, debes ver la utilización que la plantilla hace de los encabezados (H1, H2, H3, H4,…), una mala utilización de estos puede confundir a los buscadores, como también una ‘sobre utilización’ de los mismos.


Otra de las cosas que debemos tener en cuenta cuando elegimos una plantilla, en especial si es gratuita, son los enlaces que los diseñadores ponen en el footer y en algunas ocasiones en otras partes más escondidas. Lo ideal es conseguir una plantilla para que venga sin esos enlaces, pero si no puedes, trata de retirar los enlaces manualmente o de redirigirlos hacia tus propios blogs.


Consejos a la hora de comprar una plantilla

 
Si te has decidido contratar un diseñador para que te haga una plantilla, ten en cuenta estos consejos para pedirle adecuadamente lo que necesitas en la plantilla:



  • En la creación de una plantilla se usan muchas imágenes. Pídele al diseñador optimizar las imágenes para que no pesen tanto. Reducirá, aunque poco, el tiempo de carga.
  • Procura que la persona que contrates sepa algo de SEO, y pueda optimizar correctamente tu plantilla para los buscadores.
  • Asegúrate que coloque botones sociales para compartir tus artículos, así como botones para subscribirte a tu blog en redes sociales y feed.
  • Si estás pagando, no permitas que deje enlaces de sus páginas en ninguna parte de la plantilla.
Aunque parezca que no tiene mucha importancia, la plantilla y el diseño repercuten mucho en el posicionamiento de tu página. Por eso debes ser cauteloso a la hora de escoger una adecuada.


24 mayo, 2014

Las tendecias hasta el 2015 referente a logotipos





Al momento de solicitar tu imagen corporativa, ten en cuenta lo que se esta utilizando hasta el 2015.

El estilo hecho a mano, las figuras geométricas y la aplicación de animales en transparencias, son algunas de las tendencias en el diseño de logotipos que predominarán lo que resta del 2014 y se mantearán también durante el 2015.

El sitio especializado en dictar y predecir las tendencias en diseño de logotipos LogoLounge, publicó recientemente un informe sobre las tendencias que predominarán durante este año y parte del entrante.

Dicho informe presenta algunas de las técnicas más elevadas y aclamadas actualmente para lograr un buen diseño de logotipo moderno y acorde a la época, pero sobre todo adecuado para las marcas.

Como objetivo, el informe especifica que no necesariamente se tienen que seguir, pero si es una guía de lo que estará en boca de todos los diseñadores gráficos, ya que al final la decisión es del propio creativo y cliente, pero si se busca trazar una línea de estilos específicos, conceptos, técnicas y soluciones a la mano de todos.

Para este año se nota que el diseño “flat” o plano sigue a la cabeza de las tendencias, así como el minimalista y los trazos realizados a mano. Pero también se aprecia la introducción de estilos como los animales a colores y en transparencias y las formas simbólicas simples en un solo color, por lo que las variaciones y cambios refrescantes se notan en comparación del año pasado.

A continuación, te presentamos las ocho tendencias en logotipos que predominarán todo el 2014 y parte del 2015 en cuanto a logotipos, ¿ya empezaste a utilizar alguna?

1. Hexágonos: Esta figura simboliza la contención y atrapa a primera vista al ojo del espectador. Transmite un mensaje de orden, estructura y funcionalidad.
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2. Formas simbólicas simples: La neutralidad, el uso de colores a gran magnitud y las formas que simbolicen un objeto se quedan grabadas rápidamente en la mente.


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3. Torres tipográficas: este tipo de logos se utilizará para restaurantes o bares, dirigido a un mercado joven y actual.


4. Líneas en movimiento: Este tipo de diseño se adecua más para las plataformas digitales y funciona de igual manera en impresos a escalas pequeñas.



5. Planos: Esta tendencia se mantiene pero se agrega una mezcla de colores más amplia pero en tonos similares y adaptables.



 6. A mano: este tipo de estilo es un tanto alternativo y llama la atención por remitir a lo primitivo y a los orígenes del diseño y logos tipográficos con pequeños detalles.



 7. Formas geométricas: La geometría esta de moda tanto en embalajes, como en carteles y todo tipo de ilustraciones. Es enigmática y a la vez básica.



 8. Animales y transparencias: Este tipo de logos es una mezcla completa que utiliza colores brillantes, formas geométricas, tipos, naturaleza, entre otros más. Un animal es fácil de identificar con una marca.



 Información de: www.paredro.com